Offuscare le distinzioni tra scattare e fare: insegnare la fotografia in una cultura digitale

Nell'era della fotografia digitale e dei social media in cui la fotografia appare onnipresente, sembra che chiunque possa essere un fotografo. In una tale atmosfera, quindi, cosa eleva e rimane costante riguardo alla fotografia, e come insegniamo ai nostri studenti nel mutare della cultura della fotografia?

Gli animali domestici sono un bersaglio facile come soggetti fotografici. Questo racconta la storia di un proprietario coccole e di un cane felice. © 2018 Miranda Swope

Insegniamo fotografia nella stessa università, ma in discipline diverse e con enfasi diverse: fotogiornalismo nel dipartimento di comunicazione e fotografia 1 e 2 nel programma di arti visive. Abbiamo un mix di major e non major con background diversi che arrivano ai nostri corsi, e talvolta gli studenti avranno una scintilla di interesse per la materia, ma una vaga idea di ciò che i corsi effettivamente comportano. Molti studenti hanno esperienza nell'uso dei loro telefoni cellulari con fotocamera per scattare foto veloci e facili da caricare e sono abbastanza abili nel condividerli su vari social media, ma questa attività richiede un piccolo pensiero deliberativo rispetto a ciò che verrà chiesto loro di fare in un corso di fotografia. Questo ci ha portato a sollevare la questione di cosa significhi prendere rispetto a fare la fotografia. Sia che uno studente si iscriva al Fotogiornalismo o alla Fotografia, abbiamo notato dei punti in comune tra i nostri studenti che ci hanno portato a riflettere maggiormente sull'influenza dell'onnipresente fotografia e della tecnologia digitale sull'esperienza e le aspettative degli studenti quando entrano in classe. Abbiamo quindi presentato un riassunto della nostra ricerca iniziale alla conferenza di aprile 2018 Photo History / Photo Future, organizzata dalla RIT Press a Rochester, New York, che segue.

Innanzitutto, un po 'di più sui nostri corsi.

Il corso di fotogiornalismo è tenuto online ed è fortemente focalizzato sul contenuto. Gli obiettivi di apprendimento del corso focalizzano l'attenzione degli studenti su ciò che rende il buon fotogiornalismo, qual è il ruolo dello storytelling nel fotogiornalismo e qual è la funzione della fotografia nella società. Entro la fine del corso gli studenti dovrebbero essere in grado di descrivere la storia, l'etica e le legalità della fotografia; articolare, valutare e costruire contenuti fotogiornalistici di qualità significativa; e utilizzare correttamente lo stile Associated Press per scrivere la linea di taglio della foto. Agli studenti vengono assegnati compiti fotografici per indirizzare la loro attenzione alle competenze tecniche di base e portarli fuori dalla loro zona di comfort per individuare soggetti umani e scattare molte foto per ottenere diverse foto migliori per compito. Non sono richiesti prerequisiti o attrezzature speciali. Questo è un corso progettato per i principianti per acquisire conoscenze sullo scopo e sulla funzione del fotogiornalismo, per approfondire questa visione in una varietà di spazi di carriera e / o come un passo verso la comprensione e la creazione di documentari fotografici per uso personale o professionale.

Tra le sfide per lo studente principiante c'è quella di convincerli ad abbracciare che il giornalismo riguarda in gran parte persone, vite umane e questioni sociali. Si tratta di riferire e comunicare la storia in modo accurato, non solo per se stessi o una cerchia di amici, ma per un vasto pubblico. Forse perché la cultura digitale ha contribuito a migliorare ulteriormente la raffica di immagini disponibili in più posizioni nel corso di un dato giorno, questo corso deve sottolineare la necessità per gli studenti di documentare la vita e le situazioni reali, obiettivamente e senza sensazionalismo, e si spera senza cliché. Per indurre gli studenti a documentare situazioni reali, in modo veritiero e onesto, non è nemmeno consentito loro di utilizzare software di fotoritocco fino a quando non apprendono per la prima volta una buona composizione, illuminazione, messa a fuoco, ecc. Nel mirino. Per il momento, come studenti nuovi al fotogiornalismo, devono concentrarsi sull'apprendimento delle regole fondamentali della fotografia e del giornalismo.

Man mano che gli studenti avanzano, imparano come controllare le basi (illuminazione, composizione) e iniziano a catturare ritratti che riflettono i soggetti. © 2018 Abigail McKinnie

La fotografia 1 viene insegnata faccia a faccia e si concentra sull'insegnamento delle basi, della tecnologia e della tecnica fotografica di base. L'intento e il contenuto dipendono dal focus del progetto, ma sono fondamentali all'interno del corso e, sebbene sia presente la discussione sulla ricezione, non vi è alcuna preoccupazione che si estenda oltre i confini della classe. Gli studenti caricano invii digitali nel sistema di gestione dell'apprendimento, affinché i compagni di classe e io stessi possano visualizzarli, ma non esiste un forum online per "Mi piace". È richiesta una reflex digitale e gli studenti lavorano esclusivamente con contenuti digitali e imparano il fotoritocco in Photoshop, ma lì non è un'enfasi sulla manipolazione o sul collage.

Anche la fotografia 2 viene insegnata faccia a faccia e si concentra su una divisione tra il ruolo della fotografia nell'arte contemporanea e la progettazione grafica commerciale. La fotografia 1 è un prerequisito e sono richieste sia reflex digitali che cinematografiche. Gli studenti lavorano con contenuti digitali ma trascorrono del tempo imparando tecniche di film e carta. Considerando il ruolo dell'arte contemporanea, gli studenti costruiscono le proprie fotocamere stenopeiche, stampano su materiali alternativi e si concentrano su processi sperimentali. Nella fotografia di design commerciale, gli studenti si concentrano sulla pubblicità che richiede controllo del prodotto, della ritrattistica e dell'illuminazione dello studio sia nel contesto fisico che digitale. In questa fase, la pubblicazione e la ricezione dell'opera sono fortemente enfatizzate. Gli studenti possono utilizzare blog, installazione di guerriglia nel campus, produzioni dei clienti o presentare mostre come formati per conoscere l'intento e l'accoglienza del pubblico.

In entrambi i corsi di Fotografia 1 e 2, gli studenti sono autorizzati a fare fotografie solo in modalità manuale. L'obiettivo è che ogni scelta (composizione, soggetto, ogni singola impostazione della fotocamera) faccia parte del processo di creazione.

Per noi, quando insegniamo questi corsi e ci sforziamo continuamente di migliorare il nostro insegnamento, è interessante considerare le credenze e le pratiche che gli studenti possono portare all'inizio dei corsi di fotografia e in che modo la pratica quotidiana della fotografia digitale e la pubblicazione sui social media possono influenzare le percezioni degli studenti e scelte su come scattare fotografie.

Questa istantanea del lavoro del primo semestre è un utile momento di insegnamento: per diventare qualcosa di diverso da un'istantanea, i contenuti fotografici non devono solo raccontare una storia, ma interessare lo spettatore. © 2018 Anonimo

Le seguenti domande hanno guidato la nostra esplorazione.

In che modo la fotografia è mediata dalla digitalizzazione culturale?

La fotografia digitale e Internet forniscono l'accessibilità che consente alla pratica quotidiana di scattare foto, caricare, trasmettere e ricevere feedback. C'è una gratificazione immediata nel scattare una foto, essere in grado di controllarla, modificarla, eliminarla o condividerla in testo, e-mail o attraverso i social media. La cultura digitale ha contribuito ad aumentare il consumo onnipresente di immagini fotografiche che Sontag aveva predetto negli anni '70. L'uso dei social media, ad esempio, continua a crescere - ora al 69% della popolazione adulta. Si stima che il 78% degli adulti di età compresa tra 18 e 24 anni intervistati utilizzi Snapchat più volte al giorno e il 71% della stessa fascia d'età utilizza Instagram in un dato giorno, secondo il Pew Research Center¹. L'uso di social media negli Stati Uniti per gli adulti dai 18 ai 29 anni era dell'88% per questo sondaggio da gennaio 2018.

In Instagram e Contemporary Image (2017²), il lavoro di Manovich punta su uno studio di 16 città globali dal 2012-2015 incentrato sul contenuto e sull'uso di Instagram attraverso le culture. I risultati hanno dimostrato che una grande percentuale di utenti ha scattato foto principalmente di familiari e amici. Nella cultura Kodak del 20 ° secolo, le fotografie erano comunemente utilizzate per le immagini personali e per la memorizzazione di ricordi (Hand, 2012³; Van Dijck, 2008⁴). Questa scoperta indicherebbe che l'uso quotidiano della fotografia digitale e dei social media è molto simile ai suoi usi precedenti prima dell'era digitale, e tuttavia ora, con un telefono con fotocamera sempre a portata di mano, la propensione a scattare e condividere foto, spesso di più superficiale i momenti della vita quotidiana (piatti da pranzo, caffè lattes, simpatici animali domestici, selfie, tramonti) sono molto più acuti. È sempre più evidente nelle nostre classi che dobbiamo garantire che gli studenti facciano un passo indietro e decidano se un momento è degno della cattura, indipendentemente dai "Mi piace" o dalle condivisioni che potrebbero ricevere.

Cosa eleva e rimane costante sulla fotografia?

Questa è una domanda di valore. Fa parte di una lunga storia e di un dibattito sul fatto che la fotografia sia arte, rappresentazione o replica. La discussione solleva domande su sostanza, significato e considerazione. Segnala una differenziazione critica tra i tipi di fotografia e si sforza di affrontare ciò che è fondamentale per il valore della fotografia.

Un approccio foucauldiano ci farebbe studiare la fotografia come "archeologia della conoscenza" che esamina le reti di significati, o discorsi, che costituiscono la fotografia come soggetto (Bate, 2007,). Ciò includerebbe la considerazione di come queste pratiche siano inquadrate, collegate, contraddittorie o incoerenti. Bourdieu (1990⁶) ha suggerito che l'esame della fotografia implicava un giudizio estetico e Sontag si è concentrato sul significato e sulla percezione della verità e della realtà. Più recentemente, Mendelson⁷, in The Construction of Photographic Definition (2007), ha affermato che l'interpretazione di una fotografia non è né completamente imparata né innata, ma la conoscenza di ciò che rende una fotografia una fotografia deve certamente accrescerne l'apprezzamento. Mendelson ha fornito un modello socio-storico mediante il quale è possibile analizzare il significato delle opere fotografiche. Questo modello esamina tutti i componenti necessari per realizzare una fotografia, come l'intenzione del fotografo, la percezione e l'interazione con il soggetto; ruolo e partecipazione percepiti del soggetto; gatekeeper o decision maker, ad esempio fotoritocco; standard e aspettative istituzionali per contenuto e stile; e la ricezione, l'interpretazione e l'uso della fotografia da parte dello spettatore. Questa complessità di azioni che vanno a fare una fotografia illustrano le costruzioni sociali e quindi i significati che poi modellano i parametri per l'interpretazione.

La proliferazione dell'immagine fotografica, dall'interno dei meccanismi della cultura digitale, può dare una distinzione sfocata tra scattare una fotografia (più istantanea) e fare una fotografia di sostanza. Inoltre, la distinzione tra fotografia dilettantistica e professionale "sembra anacronistica in un'era in cui le istantanee più ordinarie di tutti i giorni diventano i ritratti più iconici della politica del XXI secolo (Mano)".

Gli studenti stanno imparando nuove tecniche, come come sparare a Bokeh, ma non sono sempre in grado di usare in un modo che aggiunge significato, anche se mostra padronanza della tecnica. © 2017 Kelsey Cleary

Cosa facciamo come studiosi ed educatori della fotografia con la tecnica, il contenuto e la pratica mentre insegniamo in una cultura mutevole della fotografia?

La fotografia, dal personale alla pubblicità, ci obbliga a esaminarla attentamente perché la pratica della fotografia ha molto da rivelare sul mondo che ci circonda. Infatti, senza una rigorosa analisi per acquisire un senso di alfabetizzazione visiva, sia i professionisti che il pubblico della fotografia rischiano di darle un trattamento superficiale se trascuriamo una valutazione continua di come la fotografia influisce sul mondo sociale.

Ad esempio, il fascino dei mezzi fotografici culturali (ad esempio i meme) pone la fotografia in una posizione che serve a favorire un momento culturale, ma spesso è solo appropriazione indebita di immagini altrui. In un certo senso, questa forma dell'immagine fotografica è tornata ad essere la forma d'arte "bassa", un ritorno ad essa come solo uno strumento per supportare un altro costrutto. Molti studenti ignorano persino la maggior parte dei contenuti digitali che contengono fotografie come fotografia (in senso elevato), ma influenza ancora la loro mentalità su ciò che costituisce una buona fotografia. Questo mimetismo delle cose che hanno visto sui social media è anche causa di riluttanza a considerare o comprendere appieno l'intento dell'immagine del fotografo originale. Se la fotografia non consiste nel ricreare l'onnipresente, ma piuttosto nel mostrare qualcosa di nuovo, questo diventa sempre più difficile da raggiungere in un'epoca di mimetismo, proliferazione dei social media e lotta per i "mi piace". Ciò che è prevalente e apprezzato in la sfera digitale ha il potenziale per influenzare le fotografie degli studenti - le nostre preferenze sono influenzate da ciò che piace ad altre persone - e lo spettatore viene rimosso dal processo ma consente il controllo su ciò che è considerato qualità.

Il contenuto fotografico intenzionale non è semplicemente una registrazione meccanica del soggetto o dell'oggetto, ma il significato è costruito da "una varietà di scelte consce e inconsce" (Mendelson) fatte non solo da fotografi, ma di nuovo da soggetti, editori e pubblico. Le istituzioni, sia sociali che aziendali, stabiliscono pratiche e supportano determinati sforzi basati su ideologie istituzionali. Le foto sono "parte di un sistema di informazioni" (Sontag⁸) in cui il significato è costruito all'interno di configurazioni complesse di come comprendiamo e valorizziamo il mondo. Si consiglia allo studente di fotografia di costruire una base di conoscenza basata sulla comprensione della costruzione socio-storica del significato, di rendersi consapevoli dei significati connotativi e dei più ampi valori sociali e concetti culturali racchiusi nella pratica della fotografia.

I dettagli di sfondo devono incuriosire lo spettatore, interagire e supportare il soggetto focale e far avanzare chiaramente la storia. © 2018 Anonimo

Ciò che differenzia scattare l'istantanea dal fare la fotografia?

L'istantanea si riferisce a fotografie informali che si suppone siano progettate per essere una rapida, breve occhiata a qualcosa. In genere richiedono poca riflessione o invitano molto ripensamento. In genere sono creati con poco tempo trascorso a contemplare l'argomento o il contenuto. Gli studi dimostrano che le persone ricordano meno nell'atto del punto e fotografano che se trascorrono del tempo in stretta osservanza cognitiva con il soggetto (Henkel, 2014⁹). Tutti quei concerti in cui le persone girano filmati attraverso i loro telefoni anziché osservare l'azione significano che ricorderanno meno dell'evento rispetto a quelli che guardano. Allo stesso modo, il tempo, l'osservazione e la fiducia costruiti con il soggetto sono inestimabili per costruire forti narrazioni fotografiche nel fotogiornalismo (TEDx Talks, 2014¹⁰). Chiaramente, l'osservazione è un componente chiave nella creazione di una fotografia.

Le nostre scoperte in classe indicano che gli studenti di fotografia principiante devono imparare e applicare le considerazioni di base sul contenuto fotografico e sull'intenzionalità. Quando il fotografo contempla intenzionalmente il soggetto, compresi composizione, illuminazione, inquadratura, angolo e così via, il soggetto o il contenuto della foto viene elevato dall'istantanea alla fotografia e noi, in quanto spettatori, possiamo quindi provare una risposta emotiva e una connessione che è meno probabile che un'istantanea fornisca.

Per lo studente di fotografia 2 a cui è stato assegnato l'uso della fotografia per creare un annuncio pubblicitario, un approccio di istantanea può ignorare l'impostazione o lo scopo del soggetto e fare affidamento sull'artificialità (che non è credibile). Ad esempio, se il soggetto fosse fotografato in un'impostazione che non consentiva al primo piano e allo sfondo di contenere il contesto, le sostituzioni digitali chiaramente non aggiungerebbero valore e creerebbero invece distrazione. D'altra parte, se la posizione è stata considerata prima dell'atto di fotografare, lo sfondo aggiunge intenzionalità e valore, e nel pensare al contesto il fotografo studente aggiunge significato.

Se si prende in considerazione lo sfondo e l'illuminazione prima delle riprese, gli studenti sono in grado di creare composizioni forti per le pubblicità senza che sia un meme. © 2015 Chris Costello

Nelle prime settimane del fotogiornalismo, nonostante le regole del corso contrarie, gli studenti a volte forniscono istantanee ai loro amici, o posate in un momento cliché del sorriso per la fotocamera o facendo qualcosa di innocuo come lavorare su un laptop e guardare il loro telefono. Il loro primo incarico fotografico li dice di uscire e incontrare persone che non conoscono e fotografarle come soggetti interessanti a sé stanti oppure fare qualcosa che trasmetta interesse per uno spettatore generale. Gli studenti devono pensare alle considerazioni di base come menzionato e, soprattutto, comunicare chiaramente il significato, il contesto e la storia dietro lo scatto della fotografia. Se una foto è quella che chiunque potrebbe scattare, è improbabile che attiri l'interesse di chiunque non sia il soggetto e il fotografo. Nel fotogiornalismo la linea di demarcazione spesso riempie la storia e aiuta a fornire un contesto, ma se la foto è solo un'istantanea, anche una linea di demarcazione farà poco per fornire significato e interesse. Le foto che catturano dettagli intenzionali forniscono profondità e aiutano a raccontare una storia che terrà l'interesse dello spettatore.

Nelle prime settimane del fotogiornalismo gli studenti vengono messi in guardia contro la "foto più inquietante", un'istantanea scattata a qualcuno che non è consapevole di essere fotografato. Viene loro insegnato invece ad avvicinarsi all'argomento e, se non altro, a ottenere dettagli per scrivere una didascalia fotografica. Gli studenti sono spinti a rendere il soggetto umano centrale nelle loro fotografie. Questo non è sempre facile per gli studenti che non conoscono il fotogiornalismo perché avvicinare le persone che non conosci è un compito intimidatorio, eppure viene loro detto di sparare più vicino per colmare il divario, quindi lo spettatore identifica chiaramente anche il soggetto, il che aiuta elimina il potenziale effetto creeper e illustra un aspetto chiave del fotogiornalismo: la funzione. Il fotogiornalismo non è per uso personale o limitato, non pubblico nel senso di pubblicare in classe o per i membri del tuo gruppo di social media. È pubblico come pubblicato per un vasto pubblico, che può essere critico nei confronti del tuo lavoro e non necessariamente "gradirlo". Il fotogiornalismo sta segnalando. È informativo e richiede accuratezza, ampio consumo pubblico e critiche.

La maggior parte degli studenti presenterà almeno una foto di creeper all'inizio del semestre - - scattata a distanza e senza la consapevolezza o il consenso del soggetto. © 2018 Anonimo

Nella fotografia 2 studenti esplorano la fotografia nella pubblicità. Inizialmente vogliono separare completamente l'oggetto che hanno fotografato dalla posizione dello studio, invece di scegliere uno sfondo reso digitalmente e del testo all'interno del proprio spazio, la definizione stessa dell'aspetto di un meme. La pervasività dei meme all'interno del loro consumo quotidiano di social media arriva nonostante le conversazioni di classe sul considerare l'integrazione dello sfondo e dello spazio per il testo prima della fotografia.

In pratica, le istantanee non richiedono le suddette caratteristiche per realizzare la fotografia. Le istantanee non sono limitate nel tempo. Sono facili da prendere, in numero illimitato e spesso privi dello stesso valore o sostanza della fotografia. Il punto è dire che mentre ogni studente nuovo di fotografia è naturalmente in classe per imparare ciò che rende una buona fotografia, l'ambiente attuale in cui molti dei nostri studenti vengono a conoscenza e pratica la fotografia appare modellato da una cultura fotografica in cui l'istantanea è La norma. Ma per essere chiari, questo non vuol dire che non partecipiamo e abbracciamo anche i social media. I social media sono uno strumento utile che i nostri studenti devono anche imparare a sfruttare al massimo in molte delle carriere in cui i nostri studenti si impegneranno. Stiamo parlando di come insegniamo in un ambiente della cultura digitale onnipresente e pervasiva delle abitudini preconcette e delle nozioni su cosa significa fotografare e per chi e quale scopo.

In che modo la digitalizzazione influenza ciò che consideriamo la fotografia e come insegniamo ai nostri studenti?

Nel fotogiornalismo, un obiettivo intrinseco è che esploreranno le loro capacità oltre la pratica quotidiana di scattare istantanee per i social media da una prospettiva professionale con regole e formalità distinte. Gli viene chiesto di astenersi dal fare foto ai loro amici, familiari e animali domestici. Quando alcuni lo fanno invariabilmente comunque nella prima settimana del corso, serve come momento per sottolineare che lo scopo e la funzione principali del fotogiornalismo è quello di fornire informazioni a un pubblico pubblico. Nei corsi di fotografia nelle arti visive, gli studenti sono incoraggiati a sviluppare narrazioni o temi che potrebbero cercare, piuttosto che semplicemente catturare ciò che inciampano in un giorno. La digitalizzazione culturale aggiunge alla nozione frenetica della fotografia che uno dovrebbe sforzarsi di catturare ogni momento e dettaglio di ogni giorno, trasformandoci nell'immagine che i drogati di Sontag avevano predetto. Nella vastità del mondo dell'immagine di oggi, Sontag ha riassunto il significato della fotografia:

Non si può immaginare l'ouverture di Swann's Way che termina con il narratore che si imbatte in un'istantanea della chiesa parrocchiale di Combray e il sapore di quella briciola visiva, invece del gusto dell'umile madeleine immersa nel tè, facendo un'intera parte della sua passata primavera in vista.

Scattare semplicemente un'immagine di un momento non rende reale quel momento, ma creare veramente una fotografia di quel momento è osservare ciò che è rilevante, entrare nel momento per creare l'intento ed eseguire una fotografia che trasporta lo spettatore nel momento raffigurato. Per fare questo, il fotografo deve essere un maestro della produzione attraverso l'intento, il contenuto, il formato e la pubblicazione.

Gli studenti devono imparare a lavorare su dettagli di sfondo specifici. © 2018 Anonimo

Prendendo spunto dal modello socio-storico di Mendelson per gli studiosi e gli educatori per insegnare la fotografia, per noi è fondamentale insegnare Fondamenti, Produzione, Contenuto e Pubblicazione. Gli studenti devono sviluppare una competenza e una ripetibilità delle abilità e una consapevolezza del ruolo particolare e distinto dei social media. Una cultura della digitalizzazione apre uno spazio per la proliferazione dell'attività fotografica e, di conseguenza, gli studenti sono spesso abili nel fare foto ma mancano degli elementi fondamentali delle buone pratiche. Sebbene non sia nulla di nuovo supporre che gli studenti che non conoscono la fotografia debbano acquisire una base concettuale di conoscenza e abilità della fotografia, enfatizzare la fotografia come pratica deliberativa sembra cruciale per distinguere cosa significhi fare una fotografia nel regno della cultura digitale.

Lavori citati:

[1] Pew Research Center. (5 febbraio 2018). Internet e tecnologia: realtà
Foglio. Estratto da http://www.pewinternet.org/fact-sheet/social-media/

[2] Manovich, L. (2017). Instagram e immagine contemporanea. Attribution
Non commerciale- NoDerivatives 4.0 Internazionale.
 
[3] Hand, M. (2012) Fotografia Ubiquitous. Cambridge: Polity.

[4] Van Dijck, J. (2008). Fotografia digitale: comunicazione, identità, memoria. Comunicazione visiva, 7 (1), 57–76.

[5] Bate, David. (2007). "L'archeologia della fotografia: rileggere Michel Foucault e l'archeologia della conoscenza". Afterimage, 35 (3).

[6] Bourdieu, P. (1990) Fotografia: A Middle-brow Art. Cambridge: Polity.

[7] Mendelson, A. (2007). La costruzione del significato fotografico. Manuale di ricerca sull'insegnamento dell'alfabetizzazione attraverso le arti comunicative e visive. New York: Taylor e Francis.

[8] Sontag, S. (1977). Sulla fotografia. New York: Picador.

[9] Henkel, L. (2014). "Ricordi" punta e scatta ": l'influenza di scattare foto in memoria per un tour del museo." Psychological Science, 25 (2), 396–402.

[10] TEDx Talks. (2014, 17 novembre). Vesselina Nikolaeva: la prospettiva di un fotografo in termini di tempo, osservazione e fiducia [file video]. Estratto da https://www.youtube.com/watch?v=qaPjHC1FPPY

Kathy Petitte Novak è professore associato presso l'Università dell'Illinois a Springfield, dove insegna giornalismo, fotogiornalismo, cinema e cultura globali e critica dei media. È una giornalista pluripremiata e fotografa di fotografia e fotogiornalismo di lunga data che ha esposto in gallerie in Illinois e New York. Ha completato il suo dottorato di ricerca. presso l'Istituto di ricerca sulle comunicazioni presso l'Università dell'Illinois Urbana-Champaign. La sua priorità nell'insegnamento del fotogiornalismo è di incoraggiare tutti i livelli di abilità a coinvolgere il loro entusiasmo per la fotografia mentre apprende l'arte e la funzione della fotografia nella società.

Brytton Bjorngaard è nata nel Minnesota e ha trascorso la sua vita come una pietra rotolante, vivendo in Oregon, Minnesota, Spagna, Italia, Iowa, Washington e ora nell'Illinois. Ha conseguito un Master in Graphic Design presso la Iowa State University e un BA in Graphic Design presso la Saint Mary's University del Minnesota. Brytton è professore associato di arti visive all'Università dell'Illinois Springfield e in precedenza ha ricoperto una posizione presso la Whitworth University. Oltre a insegnare, è una graphic designer e fotografa freelance. Ha iniziato a fotografare nel suo negozio Ritz Camera locale nel laboratorio fotografico, padroneggiando sia le foto di un'ora che la stampa professionale. Non solo gestisce una camera oscura nella sua università, possiede quasi 150 macchine da presa (sta solo aspettando il momento di tornare al suo lavoro fotografico personale). Ha insegnato fotografia negli ultimi 8 anni ed è sua missione far sì che i suoi studenti non si divertano solo con la fotografia mentre padroneggiano le basi, ma anche per imparare e apprezzare l'estetica passata del film.

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Il saggio di cui sopra è stato presentato dalla Society for Photographic Education, come articolo pubblicato all'interno di Exposure, la sua principale pubblicazione. SPE è un'organizzazione no profit basata sull'appartenenza che cerca di promuovere una più ampia comprensione del mezzo in tutte le sue forme attraverso l'insegnamento e l'apprendimento, la borsa di studio, la conversazione e la critica. SPE ha affiancato Capitoli con eventi e conferenze in ogni parte degli Stati Uniti continentali, con Capitoli in via di sviluppo internazionale, ed è stato determinante nel favorire la crescita della comunità e della carriera tra fotografi, artisti con obiettivi, educatori, studenti e la più ampia comunità di creatori di immagini .

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